Si tienes buen dominio del inglés escrito, te invito a que leas el artículo de Sanneh. Lo que expongo a continuación tendrá más sentido si lo haces.

Escribí un comentario acerca de este artículo en la página de Phaedrus en Facebook. Era una reflexión acerca del hecho de que vivimos en la era de la desinformación, que es una consecuencia del exceso de información. El artículo presenta una visión distorsionada del género, porque cualquier análisis que no considere la vasta cantidad de música escrita a partir de la década de los 90 es, por defecto, imprecisa e incompleta.

Pero el artículo de Sanneh es muy útil para el debate que estoy a punto de fomentar. El Rock Progresivo evidentemente está vivo. Este es un hecho incuestionable cuando vemos no decenas sino cientos de álbumes publicados todos los años, algunos de los cuales continúan expandiendo las fronteras estéticas del género. Sin embargo, no puedo decir que goce de buena salud. Hay un problema importante en términos de identidad y actitud, y hasta que esos asuntos no se resuelvan, este género seguirá ocupando un modesto (y minusvalorado) puesto dentro de la música.

Identidad

A principios de los años 70, era comprensible que los músicos que crearon el género no supieran exactamente lo que estaban haciendo. Una de las pocas excepciones es Jon Anderson quien se refirió al Rock Progresivo (y estoy tomando esta cita del artículo del Sr. Sanneh) como “una forma de arte elevado”.

Y sí, esto es exactamente lo que el Rock Progresivo es: “Una forma de arte elevado”.

Desafortunadamente esto, más de 40 años después, sigue sin estar claro. Este género adoptó mucho del enfoque y maneras de una expresión de música popular conocida como Rock & Roll, que es la antítesis de lo que “arte elevado” (en contraste con arte popular) es. Y el Rock Progresivo es una elevada forma de música artística. Algunos iconos del Rock Progresivo se han dado cuenta de esto en los últimos años. Uno de los casos más dramáticos es Keith Emerson. Hace apenas un par de días, su hijo Aaron Emerson desveló al epitafio de Keith. Dice lo siguiente:

Keith Noel Emerson

1944 – 2016

Composer

No dice “virtuoso de los teclados,” o “teclista y compositor.” Esto no es coincidencia. De hecho, su novia Mari Kawaguchi en un post después de la muerte de Keith, dijo que él le mencionó varias veces que quería ser recordado como un compositor. No como un extravagante teclista rockero virtuoso.

Si Emerson hubiera tenido una segunda oportunidad, con el entendimiento que desarrolló a lo largo de los años, probablemente no invertiría mucho tiempo clavando cuchillos en los órganos o jugando con un “synthesizer stick”. Al final de su vida, comprendió que sus logros más importantes fueron sus composiciones. Que obras como Karn Evil 9 o Tarkus merecen mayor reconocimiento.

Lo primero que debemos considerar en este debate sobre “Identidad” es si el Rock Progresivo es, o no es, rock. Bueno, mi opinión, que ya habrás adivinado, es un categórico y rotundo NO.

La razón principal por la que el Rock Progresivo ha sido repudiado por críticos durante tantos años, es esta precisamente. Si evaluaras unas tijeras en función de su capacidad para contener agua, ¿qué dirías?

Los músicos de progresivo en los años 70 querían ser estrellas de rock. Las compañías discográficas hacían marketing de este género como si fuera rock, y trataron de encajar un cuadrado en un círculo. Adivina qué: no pudieron. Tan pronto el género perdió fuelle, inmediatamente le dieron la espalda. Y es perfectamente comprensible porque este género, visto desde la perspectiva del rock, es una basura.

Estos artistas descolocados, así como toda la comunidad progresiva, fueron inmediatamente tachados de frikis.

Aunque no estés de acuerdo conmigo, considera por un momento que no estamos hablando de rock. Cambiemos rock progresivo por música clásica.

Ahora vamos a reinterpretar algunos fragmentos del artículo del New Yorker:

“el intento de un género de demostrar que el rock and roll no tenía por qué ser simple y tonto – podría en su lugar ser complicado y tonto.”

El intento de un género de demostrar que la música barroca no tenía por qué ser simple y tonta – podría en su lugar ser complicada y tonta. Si no lo crees, sólo tienes que mirar la complejidad de las obras escritas por el más tonto de los compositores: Johann Sebastian Bach.

“Los pioneros del prog-rock abrazaron la extravagancia: extraños instrumentos y letras fantasiosas, composiciones complejas y álbumes conceptuales abstrusos, con solos deslumbrantes y shows en vivo aún más deslumbrantes.”

Tomemos, por ejemplo, las óperas de Wagner. ¿Puede alguien decirme a quién le gustaría estar 4 horas atrapado en ese absurdo ejercicio de exaltación del ego?

“En la historia de la música popular, según lo dicho por la tradición, el rock progresivo estaba, en el mejor de los casos, en un callejón sin salida, y en el peor, instalado en la vergüenza. Una advertencia a generaciones futuras: no te dejes llevar demasiado lejos.”

Eh, Sr. Debussy: “¡cuidado con ir demasiado lejos!” Esto es una advertencia para futuras generaciones, especialmente los integrantes de la Segunda Escuela de Viena y futuros compositores como Ginastera o Stravinski.

“El colapso del progresivo ayudó a reafirmar el argumento dominante en el rock and roll: que ser pretencioso es el enemigo; que el virtuosismo puede ser un impedimento para la auténtica expresión; que la ‘autoformación’ es en general preferible a la ‘formación clásica.’”

Sr. Rubinstein, su virtuosismo como pianista es un impedimento para su auténtica expresión. Le hubiera ido mejor si se hubiese autoformado.

Podría continuar con más citas, convirtiendo este artículo en algo divertidísimo a los ojos del amante de música clásica. Este artículo hubiera sido desechado como un pedazo de basura.

Así que, aunque no estés de acuerdo con que el Rock Progresivo no es rock, espero que al menos veas las consecuencias de etiquetar un género equivocadamente.

Si alguna de mis reinterpretaciones de estas citas te pareció graciosa, eso implica que estás de acuerdo con que el rock progresivo está siendo evaluado desde una perspectiva equivocada. Al menos, esto es un buen punto de partida.

Cualquier músico actual que quiera adoptar seriamente la música progresiva como su medio principal de expresión, debe empezar por entender de qué estamos hablando. En los años 70 la confusión era aceptable. Pero hoy, más de 40 años después, no es aceptable que un músico de progresivo se ponga a pedir palmaditas al público, o que un cantante de progresivo se ponga al lado de un guitarrista y se ponga a imitarlo durante un solo de guitarra. No. Mientras músicos poco informados continúen haciendo eso, la música progresiva continuará siendo un subproducto marginal del rock.

Así que, he aquí la primera medicina para restaurar la salud de este paciente llamado (de momento) Prog: DESTERRAR EL TERMINO ROCK.

Me verás usando el término “Rock Progresivo” especialmente en promociones, porque quiero llegar a una audiencia que no sabría de qué estoy hablando si utilizara otro término.

Hay otro problema relacionado con “Identidad”: el término «Progresivo». Si leíste artículos anteriores de Phaedrus como “Rock Progresivo – Una Etiqueta que Desorienta” o “El Proceso Creativo” entonces estás familiarizado con mi punto de vista al respecto. Paso a resumirlo. Es un error colocar “innovación” como la seña de identidad predominante de un género. Porque no es nada más (ni nada menos) que sólo uno de sus atributos. Un género no se puede definir por ser innovador porque este término está condicionado por el paso del tiempo. La obra de Picasso ya no es innovadora. Si esa fuera la única forma de etiquetar su estilo, hoy en día sería, cuanto menos, confuso.

De nuevo, en los años 70, tenía sentido vincular esta música con el término “progresivo”. Pero ya no. Algunas bandas actuales están ampliando las fronteras del género; son innovadoras. Otras están creando obras valiosas de arte, pero manteniendo su lenguaje dentro del perímetro estético actual. De nuevo, déjame poner un ejemplo extraído de la música clásica. Camille Saint-Saëns murió en 1921. Era contemporáneo de Debussy, que murió en 1918. ¿Deberíamos descartar la obra del primero porque su lenguaje estaba décadas por detrás del segundo? Cualquier amante de la música clásica te diría que el sólo hecho de considerar descartar la música de Saint-Saëns sería una herejía. Por lo tanto, ¿por qué deberíamos hacer eso en nuestro género? Algunos innovan, otros no. Eso es exactamente lo que ocurre en TODAS las formas de arte.

Así que, aquí está la segunda medicina: no esperes que toda la música que se hace en nuestro género tenga que ser necesariamente innovadora. De esto se deduce que hay otra palabra que debe ser eliminada del término que define nuestro género: Progresivo.

Ooops. Nuestro género se llama “Rock Progresivo” y estoy eliminando ambas palabras. ¿Qué hacemos entonces?

Como comenté en “Rock Progresivo – Una Etiqueta que Desorienta”, etiquetar nuestro género no es tarea fácil. Porque es muy ecléctico y ha absorbido elementos de una amplia variedad de géneros como el rock, jazz, música clásica, música étnica/folclórica, etc. Una alternativa sería “Música Artística” o “Art Music”. Pero cualquier música considerada una expresión artística, una obra de arte, entraría en esta categoría (jazz y música clásica sería los dos principales contendientes).

En aquel artículo expliqué que nuestro género muestra muchos de los atributos de una corriente llamada “Neobarroco”. Y aunque es cierto que hay alguna intersección con el jazz y la música clásica contemporáneos, que comparten algunos atributos del “Neobarroco”, considero que este término es particularmente apropiado para nuestro género. Incluso preserva el sonido “rock”, dejando así una huella del término original.

Así que, compañeros de la comunidad de Phaedrus, ¿quién está dispuesto a unirse a mí en esta cruzada para intentar conseguir un término más apropiado para identificar a nuestro querido género? Mi sugerencia de partida es: Música Neo-Barroca.

Actitud

Este es otro problema que debemos abordar para que la Música Neo-Barroca recupere totalmente su salud. Tenemos dos opciones:

• Decimos que la Música Neo-Barroca está bien pero no está viva porque no se han creado obras significativas después de los años 70.
• Decimos que la Música Neo-Barroca está viva y goza de buena salud porque sigue evolucionando.

No hay nada de malo con la primera afirmación. La música impresionista, escrita por compositores como Debussy o Ravel, está bien porque es apreciada y escuchada por millones de personas alrededor del mundo. En ese sentido está viva, pero no está evolucionando a excepción de un puñado de compositores que continúan restringiendo su lenguaje a ese estilo. Sin embargo, creo que la segunda afirmación define con más precisión el estado actual de nuestro género. De hecho, el prefijo “Neo” es apropiado porque esto es exactamente lo que le ha sucedido: experimentó una renovación a partir de los años 90, y continúa evolucionando hasta el día de hoy.

Desgraciadamente, la actitud de muchas organizaciones influyentes no está firmemente alineada con la segunda afirmación. El artículo del New Yorker es prueba de ello y, mira lo que hice con el reciente libro de David Weigel “The Show that Never Ends”: entré en Amazon y busqué en el libro los siguientes términos:

• Universe Zero
• Miriodor
• Deus Ex Machina
• Discipline (hace referencia al álbum de King Crimson, pero no a la banda)
• After Crying
• Anekdoten
• Kotebel
• Aranis
• Big Big Train
• French TV
• Frogg Café
• IQ
• Thinking Plague
• White Willow
• Yugen

¿Adivinas cuántos resultados? Cero.

El mismo fenómeno ocurre con “Prog-Awards”. La lista de omisiones llenaría varios artículos.

Lo que intento decir es esto: la poca atención que el género recibe de los medios, está concentrada en un puñado de bandas que no representan (salvo honrosas excepciones) la nueva encarnación de este género. Así que nosotros, la comunidad, debemos alzar la voz y desacreditar a esas entidades/personas que se atribuyen el derecho a representar al género y se presentan a sí mismos como expertos, pero no tienen ni idea de dónde están las bandas verdaderamente talentosas y qué están haciendo.

Tristemente, muchos iconos del rock progresivo también refuerzan la idea de que el rock progresivo está muerto, porque no se han creado obras significativas después del boom original del género. La mayoría han mostrado poco o ningún interés en investigar lo que hay ahí fuera. Esto es bastante incomprensible porque estamos hablando del verdadero legado del asombroso volumen de obras que ellos han creado. La inmensa mayoría no serían capaces de mencionar a más de un par de los grupos que enuncié en la lista anterior.

Como ejemplo muy pertinente, aquí está el fragmento de una entrevista que Rick Wakeman hizo a Ian Anderson, en su programa “Face to Face”:

A través de las épocas, siempre ha habido quienes dicen que todo se ha hecho y descubierto. Probablemente en su época hubo muchos que dijeron que después de los cuartetos de cuerda de Beethoven, ya no había mucho más que hacer en cuanto a la expansión del lenguaje musical. Ahora bien, lo triste es que el Sr. Anderson llega a esa conclusión ¡porque lo único que considera digno de mencionar es a Coldplay tocando en un ritmo de 7/4! Si él hubiera dedicado tiempo a escuchar a las bandas contemporáneas que están realmente expandiendo las fronteras del género, seguramente tendría una opinión muy distinta del estado actual de la Música Neo-Barroca.

Observa este comentario de Anderson, que es particularmente relevante para la discusión acerca de lo inapropiado que resulta el término Rock para definir lo que está actualmente sucediendo en el campo de la Música Neo-Barroca:

A partir de una revisión hecha el 13 de mayo de 2018, he comprobado que la entrevista completa ya no está disponible de manera pública. Supuestamente se puede conseguir en www.rockondigital.com pero a la fecha no está disponible.

Para finalizar, quiero terminar esta primera versión del artículo resaltando algunas ideas expresadas en “El Culto a lo efímero y su efecto en el Arte”:

El mayor problema relacionado con “Actitud”, es que la comunidad Neo-Barroca sigue los patrones de consumo de la música comercial. Los aficionados a nuestro género se han convertido en consumidores masivos. Y esta música, requiere y merece más atención. Álbumes complejos se abandonan después de unas pocas escuchas porque hay nuevos álbumes que deben ser escuchados. Los aficionados de otros géneros de Art Music son conscientes de esto y tienden a especializarse. Concentran su atención en sus estilos preferidos y pueden estar semanas degustando profundamente unos pocos álbumes antes de adquirir otros. Nosotros deberíamos hacer lo mismo. Porque al convertirnos en un lago extenso pero llano, en lugar de un río vigoroso, estrecho y profundo, estamos contribuyendo a la banalización y trivialización del género. Si obligamos a los músicos del Neo-Barroco a producir en masa porque sus álbumes no son capaces de mantener la atención de la comunidad por más de unas pocas semanas, la calidad va a disminuir.

Creo que en esta primera versión del artículo hay suficiente material como para encender un debate constructivo. Entre todos, hagamos un diagnóstico preciso de la situación actual de nuestro género y qué debemos hacer para asegurar que continúe creciendo en salud y prosperidad.

Una vez que la segunda versión esté lista, la publicaré en el blog. Siéntete con total libertad para distribuirlo en las redes sociales, blogs, foros, etc. ¡Que la voz de la comunidad de Phaedrus se alce y sea escuchada por todos! ¡Podemos y vamos a promover estos cambios!

La suite “Cosmology” es un trabajo ambicioso, basado en la representación musical de 4 concepciones diferentes del Cosmos:

• El Universo Geocéntrico (La Tierra como centro del universo y Dios como una entidad antropomórfica)
• El Universo Mecánico (el cosmos es una maquinaria compleja en el que las partes interactúan entre sí con base a leyes físicas. Dios no existe).
• El Universo Entramado (en lugar de entidades aisladas, realmente estamos todos “conectados”).
• Lo Uno (más que “conectados” realmente somos uno. Como olas en el mar…)

Adriana Plaza estuvo a cargo de la composición del Universo Geocéntrico, y creó el Tema Principal de la Suite:

Tema principal de «Cosmology»

Yo escribí las otras tres piezas.

En realidad, la idea de la suite “Cosmology” surgió a partir de “El Universo Mecánico” escrito en 2012, poco después de la publicación del “Concierto para Piano y Ensamble Eléctrico”. Cuando terminé esa obra, tuve la idea de representar otras concepciones del cosmos. Le presenté el proyecto a Adriana, y la invité a escribir el “Universo Geocéntrico”.

Una consecuencia evidente del hecho de que el “Universo Mecánico” hubiera sido escrito antes que los otros tres, es que esta es la única pieza en la que el tema de “Cosmology” no está presente. Esto tenía sentido hasta cierto punto porque según esta concepción del cosmos, Dios no existe. Sin embargo, yo quería que “Lo Uno” tuviera elementos de todas las piezas que conforman la suite.

No quería incorporar ninguno de los temas de “El Universo Mecánico” en “Lo Uno” porque no quería contaminar esta obra con ideas que sugieren justo lo contrario de lo que “Lo Uno” significa. Así que, la forma de incorporar “El Universo Mecánico» en “Lo Uno”, fue tímbrica. Incorporé en “Lo Uno” 2 sonidos muy distintivos provenientes del sintetizador AniMoog, usados en el “Universo Mecánico”. Aquí están estos dos sonidos, con melodías de estos dos universos:

Mechanical 1

Oneness 1

Mechanical 2

Oneness 2

Crear la representación musical de los universos “Mecánico” y “Entramado” no fue demasiado difícil: en el “Universo Mecánico” la naturaleza pulsante del tema principal, los sonidos industriales, la emulación de ordenadores con lenguaje barroco, etc., surgió de forma espontánea. Para el “Universo Entramado” parecía natural el uso de contrapunto, imitación y una interacción densa entre los instrumentos para representar la idea de “entramamiento”. Sin embargo, ¿cómo expresar musicalmente el concepto de “Lo Uno”?

Para lograr este objetivo, utilicé el siguiente concepto:

Así que, tomé ese concepto y lo apliqué para crear “Lo Uno”. Lo primero que hice, fue crear un pasaje de piano donde la mano derecha tocara exactamente la misma melodía (representando la energía universal):

Mano derecha – energía Universal

Pero la mano izquierda se mueve de forma tal, que crea modulaciones armónicas constantemente; por lo tanto, transformando esa melodía fija en pasajes musicales diferentes (representando las distintas manifestaciones físicas de esa única energía):

Mano izquierda – Diferentes instancias físicas

Luego hice lo mismo con esta simple frase melódica:

Ejemplo frase melódica

Observa todos los cambios armónicos que produce el piano, mientras la guitarra mantiene un patrón fijo:

Desarrollo de la frase melódica

Después de este pasaje, encontramos el primer sonido de sintetizador extraído del “Universo Mecánico”, al unísono (siendo Uno) con el piano:

Sinte 1 al unísono con el piano

Había representado el concepto de distintas manifestaciones de una misma esencia usando melodías y armonía. Ahora le tocaba el turno al elemento rítmico. Este patrón rítmico:

Patrón rítmico

aparece a lo largo de la pieza, con distinta ambientación. Ahora bien, lo que es interesante observar es que este patrón, siempre presentado con platillos, de repente aparece formando parte del solo de guitarra en el clímax de la pieza.

Estas son las distintas instancias donde este motivo rítmico aparece:

Instancias del patrón rítmico

Hay otro recurso que utilicé para expresar el concepto de “Lo Uno”: escribí dos patrones diferentes que tienen el mismo ritmo (la energía universal), pero diferentes armonías (distintas instancias físicas) y los puse uno encima del otro.

Con el fin de ayudar al oyente a entender lo que estoy haciendo, presenté adrede primero los patrones por separado, y luego los combiné. Verás que el resultado de combinar ambos patrones da lugar a una entidad diferente donde cada componente individual no se puede diferenciar con facilidad:

Yuxtaposición de dos patrones diferentes

Tema Principal de «Cosmology»

El Tema de “Cosmology” aparece a lo largo de la obra y se presenta por última vez en la suite en el clímax de la pieza, durante el solo de guitarra:

Tema de «Cosmology» en el clímax de la pieza

El tema aparece “disfrazado” usando un recurso de composición conocido como “aumentación”, que consiste en aumentar proporcionalmente la duración de las notas de una melodía o tema. Para quienes pueden leer música, he aquí un ejemplo perfecto del Maestro J.S. Bach:

La voz inferior es una versión aumentada del tema presentado por la voz superior.

El Tema Principal de “Cosmology” está basado en frases cortas, cada una compuesta por dos notas. Tomé esta estructura melódica y la expandí para crear el tema utilizado para organizar la sección donde se produce el desarrollo principal de la obra. El tema aumentado/modificado lo tocan, por orden, los siguientes instrumentos:

1. Sintetizador 1
2. Guitarra Eléctrica
3. Sintetizador 2 (usando el segundo sonido del AniMoog, tomado del “Universo Mecánico”)
4. Flauta
5. Sintetizador 2, y el resto de instrumentos se unen para modificar el tema y llevarlo al final de esta sección de desarrollo.

Desarrollo basado en la versión aumentada/modificada del tema «Cosmology»

El tema de “Cosmology” también aparece al inicio de la pieza:

Tema «Cosmology» al inicio

La forma en que la obra termina también es una representación de “Lo Uno”:

Los acordes de piano y arpegios de guitarra que aparecen al principio de la pieza son re-expuestos, esta vez separados por el motivo rítmico. Los instrumentos comienzan gradualmente a reducir el número de notas. Observa lo que está haciendo el colchón de sintetizador: cada vez que hay un toque de platillo, desaparece una nota. Así que, toda la banda reduce progresivamente el número de notas hasta que, al final, queda una única nota tocada al unísono por la guitarra, la flauta, y la nota que queda en el colchón de sintetizador – “Lo Uno”:

Final de «Oneness»

Recordarás el segundo artículo del Rincón de Kotebel, que se publicó en diciembre de 2016: “Ritmos Folclóricos en la Música de Kotebel”. Pues en esta pieza, Carlos Franco introduce otro elemento del folklore rítmico venezolano: el ritmo de “parranda”. He aquí el ritmo en su entorno tradicional, tocado en el pueblo de Paracotos en Venezuela:

Y aquí está el ritmo de “parranda” perfectamente integrado dentro de “Lo Uno”:

Ritmo de parranda en «Oneness»

Como ya he hecho en análisis previos, aquí está la maqueta de “Lo Uno”, tal y como la concebí originalmente durante mi estancia en Washington DC, en 2014:

Maqueta original de «Oneness»

Créditos

“Oneness” – Composición y arreglos de Carlos G. Plaza Vegas. © 2014 Reservados todos los derechos.

Arreglos adicionales por “Kotebel”. © 2017 Carlos G. Plaza Vegas. Reservados todos los derechos.

“Oneness” ejecutado y grabado por «Kotebel» en abril de 2017.

Vídeo de la parranda:
Agrupaciòn «PARRANDA PARACOTOS.»
Paracotos, Municipio Guaicaipuro, Estado Miranda, Venezuela. Dic. 2015.
Vídeo cortesía de: Yoleine Mateus Guerrero.

Este es el enlace al vídeo completo: https://youtu.be/Mf-bQxq6DTg

El ejemplo de Aumentación está tomado del sitio www.teoria.com

La vitalidad de este arcano está maravillosamente expresada por el intenso y rico sonido de Miguel Rosell al violonchelo. El leitmotif del Tarot se expande, y se introducen nuevos temas, que serán utilizados en el segundo grupo o «Suite» del Tarot: «El Emperador», «El Carro» y «La Muerte».

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MP3 WAV

Créditos

Composición y arreglos de Carlos G. Plaza Vegas.

Miguel Rosell: Violonchelo
Carlos Plaza: Teclados, bajo, batería.

© 2017 Carlos G. Plaza Vegas. Reservados todos los derechos.

La descripción del arcano «L’Empereur» está tomada del libro «Tarot de Marsella» de José Antonio Portela. © 2015 Sincronía JNG editorial, S.L.
www.sincroniaeditorial.com

La imagen de «L’Empereur» está tomada de mi juego personal de cartas del Tarot de Rider-Waite.

¡¡Pon a prueba tus conocimientos de rock progresivo con nuestro Progcigrama #1!!

Como mencioné en el Extracto, y muy en línea con el tema del artículo de este número “¿El Rock Progresivo Goza de Buena Salud?”, esta banda demuestra que el Rock Progresivo, en cuanto a innovación se refiere, está actualmente expandiendo las fronteras estéticas del género.

Aunque todos sus álbumes tienen mucho que ofrecer, mi favorito personal es “Cinque”, publicado en 2002.

Un gran ejemplo de su música es la pieza “De Ordinis Ratione” (Cinque):

Y he aquí una versión en vivo de “Convolutus”, también de su álbum “Cinque”:

Puedes escuchar otros temas de “Cinque” y comprar el álbum, en el sitio Bandcamp de Cuneiform Records